Малевич портрет матюшина: Портрет художника М. В. Матюшина, К.С. Малевич, 1913

Описание картины казимира малевича «портрет матюшина»

История русского авангарда: куда приводят мечты

Эль Лисицкий, «Планетный супрематизм (проун)», 1919–1920.

Кубофутуристы, супрематисты, конструктивисты, лучисты, абстракционисты — так в первой четверти XX века называли себя те, кого сегодня весь мир знает как «русских авангардистов».

Художники, изменившие мир и направление развития искусства, открывшие зрителю неведомые до них измерения и чувства, имевшие смелость манифестировать свои идеи, витавшие в открытом дореволюционном мире не только в России.

Казимир Малевич, «Красный дом», 1932.

ОТ СИМВОЛИЗМА К СЕЗАННИЗМУ

Историю возникновения авангарда в России сегодня принято отсчитывать с 1907 года, времени рождения московского объединения «Голубая роза».

Именно в этом романтизированном мире художников-символистов вспыхивали то тут, то там первые искры художественного бунта, подпитанные впечатлениями от импрессионизма.

Их единственную выставку хвалил Казимир Малевич, только-только приехавший покорять столицу.

А покровителем и спонсором мартовской экспозиции выступил Николай Рябушинский, меценат, вдохновленный опытом Сергея Дягилева, годом ранее запустивший эстетский журнал «Золотое руно», уже ставший легендой.

Издание, бывшее сначала витриной для художников круга «Мира искусства» и символистов вроде Врубеля и Борисова-Мусатова, затем сыграло большую роль как в продвижении французских модернистов, так и в популяризации идей русских авангардистов.

Зинаида Серебрякова, «Беление холста», 1917.

Успех «Голубой розы» сподвиг Рябушинского на организацию собственных выставок — салонов «Золотого руна», которые, вероятно, можно считать и одними из первых в России маркетинговых акций XX века, продвигавших и журнал, и новое искусство, близкое сердцу его основателя. И первая из них с небывалым размахом открылась уже в 1908 году. Ее идеей было объединение французских и русских модернистов, которых тогда еще толком не знали даже на их родине.

Среди французских участников были Гоген и Сезанн, Матисс и Дени; среди русских, например, Наталья Гончарова и Михаил Ларионов. Масштаб вызвал восторг современников, но само искусство почти никого не тронуло.

Критик газеты «Московский листок» тогда писал: «Если это новое искусство, если это есть необходимый этап в истории эволюции искусства вообще, то будем надеяться, что этот этап близится к концу, что это переходная ступень, своего рода болезнь».

Любовь Попова, Artistic Architectonics, 1916.

Третья выставка Салона в конце 1909-го и вовсе была составлена только из русских художников.

В ряды экспонентов влились Илья Машков, Петр Кончаловский, Роберт Фальк и многие другие авторы, черпавшие любовь к краске и цвету у французов, которых к тому времени уже достаточно собралось у великих коллекционеров Щукина и Морозова, державших свои дома открытыми.

Эта выставка для Рябушинского стала последней (финансовые трудности не позволяли продолжать работу), а для участников практически новым рубежом: год спустя они станут — вместе с Кандинским и Малевичем — форвардами нового художественного объединения «Бубновый валет».

Иван Пуни, «Променад в солнечном свете», 1912.

ОТ КУБИЗМА К БЕСПРЕДМЕТНОСТИ

В декабре 1910 года в Москве открылась выставка с провокационным названием «Бубновый валет», где в духе времени были намеки на «каторжников» и «мошенников», а попросту говоря — шутливо-игривый посыл к «другому» искусству.

К тому, что должно было ломать реалистические каноны, удивлять публику и бороться с мещанским вкусом. «Мне скучно, меня угнетает все то, что утвердилось в искусстве.

Я чувствую в этом дыхание застоя, и оно меня душит… Хочется убежать из стен в безграничный простор, хочется чувствовать себя в постоянном движении», — говорил тогда в одном из выступлений Михаил Ларионов.

Эль Лисицкий, «Супрематический сказ про два квадрата в 6 постройках», 1922.

И шок последовал: наряду с яркими, размытыми, будто призрачными объектами на полотнах бунтарей, оммажам Сезанну и Ван Донгену на выставке ярко проявилась страсть авангардистов к иконописи, народному искусству, лубку и вывескам — совсем так же, как у их французских коллег, искавших вдохновение в примитивном искусстве бывших африканских колоний.

Здесь же появились и первые отсылки к кубизму, абстракции и итальянскому футуризму, постулаты которого с восторгом были приняты авангардистами. Манифест футуризма и кубистические работы Пикассо, Брака и других художников стали движущей силой появления их русского микса — кубофутуризма.

Илья Машков, «Автопортрет и портрет Петра Кончаловского», 1910.

В дальнейшей хронологии история русского авангарда становится похожа на большой муравейник с невероятным количеством художников и групп, развивавших собственные направления, манифестирующих порой радикально противоположные идеи, объединенные лишь желанием выйти за границы искусства. И именно 1910-е годы стали для развития авангарда самыми насыщенными, бурлящими и плодотворными.

Казимир Малевич, «Супрематический чайный сервиз», 1918.

Василий Кандинский, метавшийся между Россией и Германией, написал тогда свою первую абстракцию, а в 1912-м уже выпустил собственный манифест «О духовном в искусстве», где дал теоретическое обоснование новому стилю, в котором «решающее значение придается всегда не расчету, а чувству».

Казимир Малевич, «Черный крест», 1920.

Казимир Малевич занялся беспредметной живописью и придумал супрематизм, который он представил на двух футуристических выставках 1915 года в Петрограде: «Трамвай В» и «0,10».

К ним он написал и собственный манифест «От кубизма к супрематизму. Новый живописный реализм», а на последней впервые выставил и «Черный квадрат», символ конца живописи в общепринятом тогда понимании.

Александр Родченко и Владимир Маяковский, «Солнце дайте ночью!», 1923.

С «квадратом» первые контррельефы выставил Владимир Татлин, позже занявшийся конструированием знаменитой башни — памятника III Интернационалу.

Своей цветовой гармонией, названной лучизмом, увлекся Михаил Ларионов. Символы бесконечности — полосы — писала Ольга Розанова; Эль Лисицкий — проуны, а Александр Родченко — линейные конструкции.

И это лишь несколько главных имен, составивших гордость авангарда.

Владимир Татлин, «Натурщица», 1913.

ОТ РЕВОЛЮЦИИ К ЗАБВЕНИЮ

То, что сегодня в международном поле авангард связан с революцией, — всего лишь миф, который, по легенде, распространила советская власть на исходе своего существования в 1980-х.

Революционные по сути и исполнению идеи авангарда как нельзя лучше подходили новой концепции открытости миру во времена падения железного занавеса, и русский авангард в своей уникальности стал отличным «проводни­ком» на Запад.

Михаил Ларионов, «Петух. (Лучистый этюд)», 1912.

То, что действительно занимало мысли художников того революционного времени, прекрасно проиллюстрировала прошлогодняя выставка «Некто. 1917» в Третьяковской галерее.

И ответ на этот вопрос оказался до банальности прост: все они интересовались лишь собственным творчеством без оглядки на свист пуль за окном.

Да, позже часть из них приветствовала советскую власть, обещавшую свободу, равенство и братство, равно как и власть поначалу давала этим художникам карт-бланш для создания имиджа нового государства — утопия авангарда на несколько лет была воплощена в жизнь. Ведь революционные реформы прошли на всех уровнях.

Казимир Малевич, «Портрет Матюшина», 1913.

Бывшая Академия художеств в Петербурге была переименована в Свободные мастерские. Художники выставлялись прямо на улице, а в семинарах мог принять участие любой прохожий.

Марк Шагал в Витебске в разгар Гражданской войны добился создания собственной школы, учителями в которую приехали работать Малевич и Лисицкий. Кандинский, Татлин, Родченко служили в отделе ИЗО Наркомпроса.

А первую годовщину революции оформил художник Натан Альтман, закрыв Эрмитаж кумачом и украсив Александрийский столп супрематическими формами.

Последняя футуристическая выставка картин «0,10», 1915.

Однако так же скоро очарование революцией сменила настороженность и растерянность. В 1921-м уехал в Берлин и больше не вернулся Кандинский, а за ним и Марк Шагал.

Еще через три года столицу покинула одна из «амазонок авангарда» Александра Экстер.

А в 1930-х «удушающая обстановка наступающего тоталитаризма», как описывал это время архитектор-конструктивист «Баухауса» Ханнес Мейер, приезжавший по приглашению СССР для возведения новых городов, стала и вовсе невыносимой.

Авангард, по мнению советской власти, отработал свой потенциал и в 1937 году был предан забвению: партии нужен был новый, понятный народу реализм, а не «кривляния взбалмошных бунтарей». Новая реформа тогда свернула все начинания авангардистов, их работы были спрятаны глубоко в запасники, а имена забыты до перестроечных времен.

«Супрематическая композиция» Малевича за $60 млн и «Картина с белыми линиями» Кандинского за $41,8 млн — аукционные рекорды недавних лет, принадлежащие аукционному дому Sotheby’s. А каждый востребованный на рынке художник, как известно, обязательно подделывается. И русский авангард — не исключение.

Владимир Маяковский, «Для голоса», конструктор книги — Эль Лисицкий, 1923.

Легендарный московский аукцион Sotheby’s 1988 года, на котором среди современных художников в числе топ-лотов были представлены и произведения авангардистов Родченко и Эль Лисицкого, открыл для русского искусства «окно в Европу».

И примерно в это перестроечное время свободы и падения железного занавеса из России на Запад хлынула первая волна фальшивок, усилившаяся во второй половине 1990-х и не останавливающаяся до сих пор. Жертвами подделок становились буквально все — от галеристов и аукционных домов до коллекционеров и музеев.

Среди громких международных дел — целые коллекции поддельных работ Ларионова и Экстер, выставлявшиеся во Франции и Швейцарии; поимка банды фальсификаторов Малевича и Кандинского в Германии в 2013 году; скандал с каталогом-резоне Натальи Гончаровой в 2011-м, где более половины картин оказались подделками. Наконец, самый свежий случай рубежа 2017–2018-х годов с крупным блоком сомнительных вещей авангардистов в музее Гента, стоивший кресла его директору Катрин де Зегер.

Марк Франц, «Фантастическое существо», 1912.

Elle Decoration

Хёрст Шкулёв Паблишинг

Телефон:+7 (495) 633-5-633Факс:+7 (495) 633-57-95E-mail:[email protected]

Москва, ул. Шаболовка, дом 31б, 6-й подъезд (вход с Конного переулка)

Источник: https://www.elledecoration.ru/heroes/design-history/kuda-privodyat-mechty-art-id6769551/

Виртуальная галерея: Стили в живописи. Кубизм

Кубизм — стиль, зародившийся в нач. XX в., но многие его приемы востребованы до сих пор. Характерные приемы кубизма: прямое использование геометрических форм, узкий круг сюжетов (портреты, натюрморты или здания), деформации, угловатость, полное отсутствие реалистичности. Форма здесь важнее цвета.

Пабло Пикассо. Плачущая женщина, 1937 г.

«Плачущую женщину» Пикассо нужно отнести одновременно и к стилю сюрреализма, основанному на чудовищной деформации, искажении реального образа человека, на усилении резких цветовых контрастов.

Пабло Пикассо. Арлекин, 1915 г.

В кубизме лица, фигуры и объекты часто изображаются в качестве плоских прямоугольников или треугольников, присутствует асимметрия, неправдоподобность. Цветовая гамма приглушенная, много коричневых и темно-синих тонов, правила перспективы и светотени не учтены.

Все предметы на полотне как будто составляются из геометрических фигур. Нередко в портретах встречается прием изображения лица одновременно в профиль и в фас. Временами в поисках новых средств выражения мастера прибегали к коллажу: наклеивали на полотна куски газет, ткани и других материалов с яркой фактурой.

Позже этот прием подхватили дадаисты и представители поп-арта.

История

История кубизма в живописи ведёт своё начало от «Авиньонских девиц» Пабло Пикассо, написанных в 1907 году под влиянием африканской скульптуры и творчества Поля Сезанна.

Пабло Пикассо. Авиньонские девицы, 1907

Фигуры девиц на картине изображены контурно, светотени и перспектива отсутствуют, задний фон раздроблен на осколки разной формы.

Тогда же, в 1907 году, Пабло Пикассо знакомится с молодым, но уже показавшим высокие результаты в фовизме (ещё одно модернистское направление начала ХХ века), художником Жоржем Браком. Совместно они становятся основоположниками нового направления в живописи – кубизма, проводят постоянные встречи, обсуждения, обмениваются находками.

Жорж Брак. Тарелка и блюдо с фруктами, 1908

Название «кубизм» появилось в 1908 году, когда художественный критик Луи Воссель назвал новые картины Брака «bizarreries cubiques» (франц. — кубические причуды).

К новому направлению присоединились художники Хуан Грис, Мари Лорансен, Фернан Леже. В продолжение нескольких лет в стиле кубизма начинают работать Робер Делоне, Альбер Глез, Анри Ле Фоконье, Жан Метценже, Франсис Пикабиа и другие.

Хуан Грис. Гитара на столе, 1915

Поль Сезанн и его роль в возникновении кубизма

Первый период кубизма называется «сезанновский», т.к. художники-кубисты продолжили эксперименты Поля Сезанна с формой, перспективой и поиском новых композиционных решений.

Поль Сезанн. Пьеро и Арлекин, 1888 г.

Картина «Пьеро и Арлекин» была написана Полем Сезанном в 1888 году, т.е. за 19 лет до возникновения кубизма как отдельного направления.

В этой работе прослеживается проработка художником геометрических форм (кругов, овалов и ромбов), направление линий рисунка к некоторой точке, а также нестандартный угол зрения: зритель смотрит на персонажей как бы немного сверху и слева.

Перспектива изображена неправильно: создаётся впечатление, что Пьеро и Арлекин находятся в разных пространственных измерениях. Оригинальное композиционное решение создаёт эффект изломанности, механичности и марионеточности движений фигур несмотря на то, что это – живые персонажи с живыми лицами.

В письме к художнику Эмилю Бернару (ок. 1904 г.) Поль Сезанн писал: «Нужно вернуться к классицизму через природу, иначе говоря, через ощущение. В природе всё лепится на основе шара, конуса и цилиндра.

Рисунок и цвет неразделимы, по мере того, как пишешь, — рисуешь: чем гармоничнее делается цвет, тем точнее становится рисунок. Когда цвет достигает наибольшего богатства, форма обретает полноту.

Контрасты и соотношения тонов – вот весь секрет рисунка и моделировки».

Стадии (фазы) кубизма

В живописи можно выделить три фазы кубизма: сезанновский, аналитический и синтетический. В каждом последующем было все меньше реалистичности и все больше геометрии.

Некоторые приемы кубистов заимствовали футуристы. Их легко отличить между собой по теме: футуристы воспевали технический прогресс, кубисты этого не делали.

Три стадии кубизма:

I стадия: сезанновский кубизм (1907 — 1909) – выделение геометрических форм фигур и предметов, отделение формы от пространства/плоскости.

II стадия: аналитический кубизм (1909-1912) – дробление форм на грани и срезы, построение композиции при помощи коллажа из пересекающихся срезов и плоскостей, стирание граней между формой и пространством, визуальное взаимодействие формы и пространства.

Жорж Брак. Скрипка и подсвечник, 1910. Направление — аналитический кубизм.

III стадия: синтетический кубизм (1913–1914) – с помощью геометрических форм и их фрагментов конструируются новые объекты, которые обладают реальностью сами по себе, а не являются изображением видимого мира. Коллажи создаются, в т.ч., с помощью аппликаций, часто представляющих собой фрагменты газетного листа, вклеенного в композицию.

Жорж Брак. День, 1929 г. Направление — синтетический кубизм.

Таким образом, кубисты разложили предмет на геометрические элементы и отделили его от пространства, форму предметов показали в срезах, изгибах, под разными углами зрения, в бессистемных репликациях и других видоизменениях.

Представители кубизма в живописи

К наиболее выдающимся представителям кубизма в живописи относят Пабло Пикассо, Жоржа Брака, Фернана Леже, Хуана Гриса.

Классический пример кубизма в мировом искусстве — работы Пабло Пикассо, который вместе с Жоржем Браком считается основоположником этого направления. Оба начинали как импрессионисты, но в определенный период пришли к прямому использованию геометрии в живописи.

На такой шаг художников вдохновила африканская скульптура и творчество Поля Сезанна. Однажды Пикассо написал старому мастеру письмо о своих поисках. В ответ Сезанн рекомендовал младшему коллеге рассматривать натуру как совокупность простых форм — цилиндров, конусов, окружностей.

Пикассо и товарищи приняли этот совет буквально, и это дало начало новому стилю живописи.

Пабло Пикассо. Обнаженная, зеленые листья и бюст

Пикассо стал самым дорогим, востребованным и работоспособным кубистом. Его картина «Обнаженная, зеленые листья и бюст» оценена в 155 миллионов долларов. Картины стоят на первом месте по популярности среди похитителей произведений искусства. Объем только официальных продаж работ превышает 270 миллионов.

Жорж Брак. Гитара

В 1908 г. в жизнь Брака стремительно и безоговорочно ворвался кубизм. И причиной тому стало близкое знакомство с Пикассо. От былой неоформленности и плавности линий в работах мастера не осталось и следа, на смену им пришла чёткая выверенность, продуманность и точность форм, передающих изображение.

Всего за один год манера письма Брака из понятной и посредственной превратилась в нечто «неосмысляемое» для зрителя, искромётное. «Сидящая женщина», написанная в 1907 году, и полотно «Голова женщины» 1909 года – это словно работы кисти разных авторов.

Даже восприятие художником женского образа коренным образом изменилось с приходом нового направления, захватившего мастера.

Жорж Брак. Голова женщины, 1909 г.

Жорж Брак. Натюрморт с музыкальными инструментами, 1908 г.

Жорж Брак. Дорога возле Л’Эстака, 1908 г.

Жорж Брак. Гавань, 1908-1909 гг.

Впоследствии художники-кубисты начнут осваивать новые направления, и примерно с 1925 года кубизм постепенно пойдёт на спад, внеся свой важный вклад в развитие живописи.

Кубизм в России

Начавшись во Франции, кубизм стал популярен в разных странах мира, в т.ч. и в России. В России существовало среднее направление — кубофутуризм, к которому относят часть работ Малевича.

Казимир Малевич. Девушки в поле

Картина Малевича на крестьянскую тематику «Девушки в поле» сочетает в себе кубизм и футуризм.

Казимир Малевич «Станция без остановки. Кунцево»

Композиция картины будто создана из обломков и не значащих деталей — прямоугольников, цилиндров, полукружий, фигур разной формы и цвета. Намек на сюжет, конечно, есть, и помогает понять сюжет название картины.

В «Станции без остановки» (Кунцево, где Малевич проводил каждое лето) видны клубы дыма, подобие железных ступеней и большой знак вопроса.

Но кубистическая «постройка» только поначалу кажется хаотичной и бессмысленной.

Главный ее принцип — контраст элементов. Контрастируют как будто все детали и формы: прямоугольные и круглящиеся, выпуклые и плоские, гладкие и шероховатые, теплые и холодные, светлые и темные, узнаваемые и беспредметные. Малевич «складывает» картину из множества разных вещей. Вещи приятно и интересно разглядывать. Он оценивал изобретательность и иногда юмор с оттенком абсурда.

Казимир Малевич. Туалетная шкатулка, 1913 г.

Забавно видеть, как в «Туалетной шкатулке» крошечный крючок запирает неизвестно что: одним концом он крепится к иллюзорно написанной деревянной панели, другим — к белой супрематической (супрематизм — еще одно направление в живописи) плоскости, «пробравшейся» на первый план. Но это лишь одна из двух граней кубизма. Вторая тоже была сформулирована мастером.

Малевич назвал ее вертикальным или «этажным наращиванием» композиции. При этом «верхние этажи» не кажутся легче нижних, как это принято в традиционном искусстве, где есть постоянная оппозиция небо — земля. Если не было бы приметных деталей, то картину можно было бы перевернуть и ничего не заметить.

А значит, и общая картина мира пришла бы в негодность с ее линией горизонта, отделяющей небо от земли.

Казимир Малевич. Портрет художника М.В. Матюшина, 1913 г.

Одним их лучших полотен Малевича этого времени стал «Портрет М.В. Матюшина».

Здесь — то же самое соотношение предметных «осколков» (клавиши, часть головы с расчесанными на пробор волосами) и отвлеченной беспредметной игры, но есть и нечто новое.

Именно здесь Малевичу удается найти верное соотношение и открыть для себя, что же такое ВЕС. По мнению Малевича, картины могут являться тяжелыми или легкими, предметы могут подчиняться законам гравитации и парить, как в невесомости.

В одном из своих писем он писал о том, что очень трудно добиться веса». «Портрет Матюшина» является одним из самых «весомых» в творчестве Малевича в этот период.

Все его элементы картины, крепкие и массивные, как будто сколочены в прочное, немного неуклюжее сооружение, которое начинает отделяться от фона и готовится пуститься в плавание по белому пространству, уже похожему на «супрематическую бездну».

Знаковые работы кубистов

«Авиньонские девицы» П. Пикассо, «Пьеро и Арлекин» П. Сезанна, «Обнаженная, спускающаяся по лестнице» М. Дюшана, «Дома в Эстаке» Ж. Брака, «Портрет Пикассо» Х. Грисса, «Строители» Ф. Леже.

Обнаженная, спускающаяся по лестнице. Марсель Дюшан

Жорж Брак. Дома в Эстаке

Хуан Грисс. Портрет Пикассо

Фернан Леже. Строители

Источник: https://multiurok.ru/blog/virtualnaia-galereia-stili-v-zhivopisi-kubizm.html

Автора нет — Государственная Третьяковская галерея

Михаил Федорович Ларионов (1881–1964). Весна. Времена года (Новый примитив) 1912. Холст, масло. 118×142

Лидер движения русских авангардистов конца 1900 — начала 1910-х, М. Ф. Ларионов придавал большое значение искреннему, наивному и на первый взгляд несерьезному детскому творчеству, поскольку оно всегда непосредственно и идет из глубины сознания ребенка.

Подражая наивному детскому рисунку, художник стремился создать произведения столь же искренние и непосредственные.

Глядя на мир глазами ребенка, Ларионов написал цикл картин «Времена года», где каждый сезон олицетворяет незамысловатое изображение женской фигуры, а рядом следует пояснение, написанное нарочито неряшливо. Однако воплощение замысла оказалось не по-детски глубоким.

Весна окружена неуклюжими крылатыми ангелочками, весенняя птаха несет ей веточку с распускающимися почками; рядом справа отгороженное вертикальной полосой растет то самое деревце, которое можно трактовать как библейское Древо познания.

В правой части нижнего «регистра» картины изображены мужской и женский профили, с двух сторон обращенные к Древу познания — образы первобытных Адама и Евы, испытывающих, видимо, пробуждение нежных чувств, подобно тому, как пробуждается сама природа, и, возможно, уже вкусивших запретный плод.

В том же пространстве, совсем внизу, угадывается еще один библейский сюжет — «Изгнание из рая». В левом поле того же нижнего «регистра» следует наивное описание весны, будто бы сделанное ребенком: «Весна ясная, прекрасная. С яркими цветами, с белыми облаками», в котором, однако, чувствуется и некое лукавство художника.

Ведь неслучайно в подзаголовке названия мы читаем «Новый примитив» и мысленно заканчиваем «…на вечную тему».

Александр Яковлевич Головин (1863–1930). Портрет Ф. И. Шаляпина в роли Олоферна 1908. Холст, темпера, пастель. 163,5×212

«Портрет Ф. И. Шаляпина в роли Олоферна» относится к числу лучших работ художника и сценографа А. Я. Головина. На нем воспроизведена мизансцена из оперы А. Н. Серова «Юдифь». Шаляпин-Олоферн возлежит на роскошном ложе в пышно убранном шатре, держа в правой руке чашу, а левой надменным жестом указывая вперед.

Композиция полотна строится по законам станковой живописи, а ракурс модели и произвольное освещение предметов сообщают работе характер фресковой росписи. Фигура Шаляпина в роли ассирийского военачальника почти сливается с фоном, что делает ее похожей на своеобразный декоративный узор.

Холст пронизан волнообразным движением, являющимся основным пластическим мотивом, выражающим характер музыкального решения образа восточного полководца. Колористическое звучание произведения чрезвычайно богато.

В этом театрализованном портрете Головин насыщенно-ярким цветом костюма и головного убора артиста словно подчеркивает красоту голоса великого русского певца.

Константин Алексеевич Коровин (1861–1939). Розы и фиалки 1912. Холст, масло. 73,2×92

С именем К. А. Коровина связано становление в русской живописи импрессионизма. В 1910-е Коровин увлекся натюрмортами, в которых воплотились его новаторские поиски в области театральной декорации.

Он часто писал розы — роскошные и нежные, символы страсти и радости бытия.

Размашистыми мазками художник создает «портрет» каждого цветка, и его розы, цветут на полотне, поражая неувядающей свежестью красок.

Натюрморт с розами, маленьким букетиком фиолетовых фиалок, рыжим апельсином, сахарницей и кофейником изображен на фоне открытого окна с видом на вечерний парижский бульвар. Улица превращена неверным светом фонарей в призрачное мерцание огней; натюрморт освещен изнутри комнаты и кажется неестественно ярким. Свет словно творит волшебную игру преображения реальности.

Николай Петрович Крымов (1884–1958). Московский пейзаж. Радуга 1908. Холст, масло. 59×69

Уже самые первые картины молодого Николая Крымова продемонстрировали, что в русскую пейзажную живопись вошел городской житель, способный увидеть красоту мира среди городских домов и разноцветных крыш, почувствовать тайную жизнь природы среди городской суеты и шума.

Полотно «Московский пейзаж. Радуга» занимает особое место в творчестве Крымова.

В нем соединились символистское видение мира и импрессионистические искания художника: радуга буквально разложена по цветам, а сам пейзаж в целом представляет собой мистическое соответствие небесного и земного мира в глазах символиста.

Образ мира представляется хрупким и игрушечным, словно увиденным глазами ребенка. Радуга осеняет пространство, ее осколки скользят по крышам, сверкают в окнах; по дорожке сквера бежит ребенок с вертушкой в руках — игрушечным «прообразом» радуги. В этом пестром мире автор спрятал свои инициалы на вывеске магазина.

Картина символизирует торжество преображенного мира, где радужный свет проникает в каждую частичку бытия. Живописная манера Крымова способствует свечению поверхности. Рельефные мазки создают эффект драгоценной, переливающейся майоликовой глазури на поверхности полотна.

Павел Варфоломеевич Кузнецов (1878–1968). Вечер в степи 1912. Холст, масло. 96,7×105,1

Один из ведущих мастеров «Голубой розы», П. В. Кузнецов в 1912–1913 путешествовал по Средней Азии, привезя из поездки воспоминания о жизни восточных народов и работы, запечатлевшие многое из увиденного. На картине «Вечер в степи» художник изобразил сцену из жизни киргизских кочевников. Женщины заняты повседневными делами, мирно пасутся овцы, вокруг разлиты покой и тишина.

Отдыхающая природа и человек пребывают в гармоничном единстве.

В композиции нет лишних деталей: только земля, небо, тонкие деревца, несколько овец и две женские фигуры, окутанные мягким светом; нет здесь и конкретных топографических или этнических характеристик, благодаря чему границы изображенного раздвигаются до вселенских масштабов. Пространство приближается к условности, легкие широкие мазки словно передают его спокойное и ровное дыхание.

Василий Васильевич Кандинский (1866–1944). Импровизация 7 1910. Холст, масло. 97×131

В. В. Кандинский считается одним из родоначальников абстрактной живописи. Путь нового искусства он видел в стремлении к передаче внутреннего содержания внешних форм мира и как результат этого — в отказе от его реалистического отображения.

В своем творчестве художник стремился передать личные ощущения не при помощи предметных форм (через тот или иной сюжет), а только лишь живописными средствами.

Так, например, вместо привычных жанров фигуративного искусства он использовал импрессию, импровизацию и композицию.

Импровизация — выражение процессов внутреннего характера, возникающее внезапно, главным образом бессознательно. «Импровизация 7» — одна из ранних работ Кандинского. Предметный мир здесь растворяются в движении плоскостей и линий, сложно сгармонированных по цвету.

Казимир Северинович Малевич (1878–1935). Портрет художника М. В. Матюшина 1913. Холст, масло. 106,5х106,7

К 1913 в среде русских футуристов появилось художественное направление — кубофутуризм. Его создатели стремились к синтезу идей футуризма и кубизма. Главная задача футуризма — передать ощущение движения.

Портрет Матюшина Малевич составил из разных геометрических плоскостей, что на первый взгляд роднит его со стилем кубистических произведений Пикассо и Брака.

Но есть и существенное отличие: основоположники кубизма писали в основном в монохромной технике, тогда как Малевич активно использует богатую цветовую гамму. Еще одна особенность картины: при всей абстрактности на полотне разбросаны реалистические детали.

Так, например, часть лба с волосами, расчесанными на прямой пробор, точно повторяет прическу Матюшина, по свидетельству знавших его людей. Это, пожалуй, единственная деталь, указывающая на то, что перед нами портрет.

Матюшин был не только художником, но и композитором, поэтому нетрудно догадаться, что линия белых прямоугольников, разделяющая картину по диагонали, является клавиатурой фортепиано (причем без черных клавиш — намек на своеобразие музыкальной системы Михаила Васильевича Матюшина).

Источник: https://profilib.org/chtenie/15690/avtora-net-gosudarstvennaya-tretyakovskaya-galereya-12.php

«Портрет жены художника»

Выставка объединяет портреты трех жен художника, музыканта, одного из лидеров русского авангарда Михаила Матюшина: Марии Патцак, Елены Гуро и Ольги Громозовой. Примечательно то, что автором всех этих работ является сам Михаил Матюшин.  Двенадцать портретов представляют три совершенно разных женских образа, и в каждой работе чувствуется  особое личное отношение художника к модели. Дополняют экспозицию фотографии и документы, связанные с браками Матюшина.

Первой женой Матюшина была — Мария Ивановна Патцак (1865-1915) — дочь австрийского подданного. Брак был зарегистрирован в январе 1887 года. В семье Матюшина и Патцак родилось четверо детей: сын Николай, дочери: Анна, Лидия, Мария. Об этом времени напоминает на выставке замечательный акварельный портрет Патцак, нарисованный  Матюшиным в 1900-х годах – в ранний период творчества художника. В 1904 году брак был расторгнут.

С поэтессой, писательницей, художницей Еленой Генриховной Гуро (1877-1913) – Матюшин познакомился еще в 1900 году. В 1904 году она стала второй женой художника. Гуро родилась в Петербурге в дворянской семье. Училась живописи в мастерской Яна Ционглинского, затем в частной школе Елизаветы Званцевой у Льва Бакста и Мстислава Добужинского. В 1908-1910 годах Гуро вместе с Матюшиным  входила в круг русских футуристов, была одним из создателей «Союза молодежи», издательства «Журавль» и участником знаменитого сборника кубофутуристов «Садок судей». Дом на Песочной улице, 10, где жили Матюшин с Гуро, был местом встреч художников, музыкантов, литераторов. В нем  часто бывали Казимир Малевич, Павел Филонов, Алексей Крученых, Владимир Маяковский, Велимир Хлебников.

Гуро является автором  целого ряда художественных произведений, созданных в стилистике раннего петербургского авангарда, а также  книг рассказов, стихов, пьес: «Шарманка» (1909), «Осенний сон» (1912), «Небесные верблюжата» (1914).

Матюшин и Гуро были связаны и в личной жизни,  и в творчестве. Близость взглядов и убеждений, творческих интересов и духовных исканий сделала этот союз удивительно гармоничным.  Вместе они прожили девять лет. В 1913 году Гуро умерла от лейкемии.

На выставке представлены графические портреты Гуро. Созданный Матюшиным в этих произведениях лирический, немного печальный женский  образ, созвучен элегичности поэтического и художественного  творчества Гуро.

В 1913 году в жизни Матюшина появилась Ольга Костантиновна Громозова (1885-1975). Она стала третьей женой художника.

Громозова родилась в городе Слободском Вятской губернии в семье земского деятеля, сотрудника кустарного склада. В 1910 году переехала в Петербург, была членом марксистского кружка, заведовала нелегальной библиотекой, работала в основанном Владимиром Бонч-Бруевичем издательстве «Жизнь и знание». В 1912 году познакомилась с Матюшиным и  Гуро.   После смерти Гуро  Громозова  поселилась в доме на Песочной улице, где и прожила вместе с Матюшиным  21 год  до его смерти в 1934 году (при этом официально  брак Громозой и Матюшина был зарегистрирован только в 1922 году).

Она известна как автор воспоминаний о Владимире Бонч-Бруевиче, Вацлаве Воровском, Марии Ульяновой, Максиме Горьком, а также автобиографической повести «В домике на Песочной», книги для детей  «Малярка».

Во многом благодаря Громозовой  было сохранено художественное наследие Гуро и Матюшина. Вместе с Марией Эндер она подготовила и передала архив художника в Пушкинский дом. Сохранила большое количество художественных произведений, мемориальных вещей, связанных с жизнью и творчеством Матюшина и Гуро, впоследствии передав их в Государственный музей истории Ленинграда (ныне Санкт-Петербурга).

Представление об облике и характере третьей жены художника дает ряд экспонирующихся на выставке графических портретов, созданных Матюшиным в 1910-1930-х годах.

10 картин Казимира Малевича — Шербурские кантаты

Казимир Малевич (1878-1940) известен как один из лидеров авангардистского движения начала 20 века, он является изобретателем супрематизма – движение, вышедшее из кубо-футуризма. Вспомним 10 самых известных и важных картин Малевича, начиная с «Черного квадрата» — одной из самых известных русских картин в истории мирового искусства.

1. Черный квадрат

Впервые показанный на выставке футуристов «0,10» в 1915 году, «Черный квадрат» является краеугольным камнем абстрактного искусства и знаменует собой начало Супрематизма – нового, беспредметного стиля искусства, характеризующегося геометрическими формами и монохроматическими палитрами, который сам Малевич описал как «выражение чистого чувства, не ищущее никаких практических ценностей, никаких идей, никакой «земли обетованной».

Казимир Малевич. Черный квадрат

2. Автопортрет

Малевич написал не так много автопортретов, а его «Автопортрет» 1910 года, находящийся сегодня в Третьяковской галерее, интересен тем, что является одной из ранних работ, не относящихся к супрематизму. Ориентировочно, портрет написан во время учебы в Московской школе живописи, когда художник соприкоснулся с целым рядом художественных течений, включая кубизм и футуризм, «Автопортрет» Малевича ближе по стилю к произведениям фовистов.

Казимир Малевич. Автопортрет

3. Супрематическая композиция

Написанная в 1916 году, в том же году, когда Малевич написал Манифест Супрематистов, в 2008 году «Супрематическая композиция» была куплена на Нью-Йоркском аукционе Сотбейз за 60 миллионов долларов, став самой дорогой русской картиной за все время. У этой картины интересная история: Малевич возил ее в Варшаву и Берлин на выставки, пытался продать в Германии; затем оставил на хранение у немецкого архитектора Хуго Хёринга, который продал картину в Стеделейкмюсеум (Городской музей) в Амстердаме. Спустя 50 лет картина была возвращена музеем наследникам художника.

Казимир Малевич. Супрематическая композиция

4. Красный квадрат (Женщина в двух измерениях)

Написанная в 1915 году картина находится в собрании Русского Музея – это красный параллелограмм, стоящий немного криво на абсолютно белом фоне – он кажется абсолютно абстрактным, однако подзаголовок (надписан на обратной стороне картины) предполагает некий символизм. Цитируя Лауру Камминг, трудно не согласиться, что «даже несмотря на столетие абстракционизма, ничто не кажется настолько радикальным, как эта ослепительно простая форма».

Казимир Малевич. Красый квадрат (Женщина в двух измерениях)

5. Белое на белом

В то время как «Черный квадрат» является иконой супрематизма Малевича, его картина «Белое на белом» стала вершиной беспредметности, к которой стремился художник, расширив границы абстракционизма. Положение белого квадрата, немного под углом плывущего по практически неотличимому фону, создает ощущение движения плоскостей.

Казимир Малевич. Белое на белом (1918)

6. Портрет художника М.В. Матюшина

Портрет художника Матюшина – композитора, живописца, выдающегося деятеля русского авангардного движения, с которым Малевич сотрудничал в Кубофутуристической опере 1913 года «Победа над солнцем», наряду с писателями Алексеем Крученых и Велимиром Хлебниковым. Как и оформление оперы, картина выполнена в кубо-футуристическом стиле, от которого Малевич впоследствии откажется ради Супрематизма.

Казимир Малевич. Портрет М. В. Матюшина

7. Точильщик (Принцип мелькания)

Следующая работа Малевича – «Точильщик» — находится в художественной галерее Йельского Университета, штат Коннектикут, сочетает элементы кубизма и футуризма. Нарисована в период между 1912 и 1913. Фрагментированное изображение передает мелькание точильного станка, энергию и движение.

Казимир Малевич. Точильщик

8. Мистический супрематизм (Черный крест на красном овале)

Еще одна картина, Казимира Малевича, принадлежащая самому радикальному и иконоборческому периоду в творчестве художника; в 2015 году она была продана на аукционе Sotheby’s за 37,7 миллиона долларов наследниками Малевича.

Казимир Малевич. Супрематизм (Черный крест на красном овале).

9. Женщина с ведрами: Динамическая декомпозиция «Крестьянки с ведрами»

Очень похожая на «Точильщика» и созданная в то же время композиция — еще один пример кубо-футуристического периода художника. Работа была выставлен в музее современного искусства МОМАс 1935 года до тех пор, пока Нью – Йоркское учреждение не приобрело ее в начале 1960 – х годов.

Казимир Малевич. Женщина с ведрами

10. Супрематизм. 18-я конструкция

Если сравнивать картину Малевича » Супрематизм. 18-я конструкция» с другими работами, то она не вышла в лидеры по суммам продаж. На аукционе Sotheby’s в 2015 году она была продана «всего» за £21.4 млн. фунтов стерлингов (~ 33.8 млн. долларов США). Картина которая представлялась на аукционе как «шедевр авангардистского искусства 20-го века» была написана в 1915 году.

Казимир Малевич. Супрематизм. 18-я конструкция

10 картин Казимира Малевича | Шербурские кантаты

Казимир Малевич (1878-1940) известен как один из лидеров авангардистского движения начала 20 века, он является изобретателем супрематизма – движение, вышедшее из кубо-футуризма. Вспомним 10 самых известных и важных картин Малевича, начиная с «Черного квадрата» — одной из самых известных русских картин в истории мирового искусства.

Черный квадрат

Впервые показанный на выставке футуристов «0,10» в 1915 году, «Черный квадрат» является краеугольным камнем абстрактного искусства и знаменует собой начало Супрематизма – нового, беспредметного стиля искусства, характеризующегося геометрическими формами и монохроматическими палитрами, который сам Малевич описал как «выражение чистого чувства, не ищущее никаких практических ценностей, никаких идей, никакой «земли обетованной».

Казимир Малевич. Черный квадрат

Автопортрет

Малевич написал не так много автопортретов, а его «Автопортрет» 1910 года, находящийся сегодня в Третьяковской галерее, интересен тем, что является одной из ранних работ, не относящихся к супрематизму. Ориентировочно, портрет написан во время учебы в Московской школе живописи, когда художник соприкоснулся с целым рядом художественных течений, включая кубизм и футуризм, «Автопортрет» Малевича ближе по стилю к произведениям фовистов.

Казимир Малевич. Автопортрет

Супрематическая композиция

Написанная в 1916 году, в том же году, когда Малевич написал Манифест Супрематистов, в 2008 году «Супрематическая композиция» была куплена на Нью-Йоркском аукционе Сотбейз за 60 миллионов долларов, став самой дорогой русской картиной за все время. У этой картины интересная история: Малевич возил ее в Варшаву и Берлин на выставки, пытался продать в Германии; затем оставил на хранение у немецкого архитектора Хуго Хёринга, который продал картину Стеделейкмюсеуму в Амстердаме. Спустя 50 лет картина была возвращена музеем наследникам художника.

Казимир Малевич. Супрематическая композиция

Красный квадрат (Женщина в двух измерениях)

Написанная в 1915 году картина находится в собрании Русского Музея – это красный параллелограмм, стоящий немного криво на абсолютно белом фоне – он кажется абсолютно абстрактным, однако подзаголовок (надписан на обратной стороне картины) предполагает некий символизм. Цитируя Лауру Камминг, трудно не согласиться, что «даже несмотря на столетие абстракционизма, ничто не кажется настолько радикальным, как эта ослепительно простая форма».

Казимир Малевич. Красый квадрат (Женщина в двух измерениях)

Белое на белом

В то время как «Черный квадрат» является иконой супрематизма Малевича, его картина «Белое на белом» стала вершиной беспредметности, к которой стремился художник, расширив границы абстракционизма. Положение белого квадрата, немного под углом плывущего по практически неотличимому фону, создает ощущение движения плоскостей.

Казимир Малевич. Белое на белом (1918)

Портрет художника М.В. Матюшина

Портрет художника Матюшина – композитора, живописца, выдающегося деятеля русского авангардного движения, с которым Малевич сотрудничал в Кубофутуристической опере 1913 года «Победа над солнцем», наряду с писателями Алексеем Крученых и Велимиром Хлебниковым. Как и оформление оперы, картина выполнена в кубо-футуристическом стиле, от которого Малевич впоследствии откажется ради Супрематизма.

Казимир Малевич. Портрет М. В. Матюшина

Точильщик (Принцип мелькания)

Следующая работа Малевича – «Точильщик» — находится в художественной галерее Йельского Университета, штат Коннектикут, сочетает элементы кубизма и футуризма. Нарисована в период между 1912 и 1913. Фрагментированное изображение передает мелькание точильного станка, энергию и движение.

Казимир Малевич. Точильщик

Мистический супрематизм (Черный крест на красном овале)

Еще одна картина, Казимира Малевича, принадлежащая самому радикальному и иконоборческому периоду в творчестве художника; в 2015 году она была продана на аукционе Sotheby’s за 37,7 миллиона долларов наследниками Малевича.

Казимир Малевич. Супрематизм (Черный крест на красном овале).

Женщина с ведрами: Динамическая декомпозиция «Крестьянки с ведрами»

Очень похожая на «Точильщика» и созданная в то же время композиция — еще один пример кубо-футуристического периода художника. Работа была выставлен в музее современного искусства МОМАс 1935 года до тех пор, пока Нью – Йоркское учреждение не приобрело ее в начале 1960 – х годов.

Казимир Малевич. Женщина с ведрами

Супрематизм. 18-я конструкция

Если сравнивать картину Малевича » Супрематизм. 18-я конструкция» с другими работами, то она не вышла в лидеры по суммам продаж. На аукционе Sotheby’s в 2015 году она была продана «всего»за £21.4 млн. фунтов стерлингов (~ 33.8 млн. долларов США). Картина которая представлялась на аукционе как «шедевр авангардистского искусства 20-го века» была написана в 1915 году.

Казимир Малевич. Супрематизм. 18-я конструкция

чем помимо «Чёрного квадрата» известен Малевич — РТ на русском

23 февраля 1878 года (по некоторым данным — 1879 года) родился Казимир Малевич — русский художник-авангардист, основоположник супрематизма, философ и теоретик искусства. Самой известной картиной Малевича остаётся «Чёрный квадрат»: именно это произведение вспоминают большинство людей, когда речь заходит о его творчестве. Тем не менее «квадрат» является далеко не единственной выдающейся работой художника. Также его кисти принадлежат живописные импрессионистские пейзажи, реалистичные портреты и даже агитационные плакаты. О многообразии творчества Казимира Малевича — в материале RT.

Этюды в духе импрессионизма

В начале 1900-х годов 25-летний Казимир Малевич приступает к работе над серией этюдов в духе импрессионизма. Тогда появятся «Весенний сад в цвету», «Биркенхайн», «Весенний пейзаж» и другие произведения. Художник будет возвращаться к этому стилю в течение всей жизни: он не только любил импрессионистов, но и уверял окружающих, что он сам и искусство в целом развивались «от импрессионизма к супрематизму».

  • «Весенний сад в цвету» (1904), Казимир Малевич

«…Я наткнулся на вон из ряда выходящее явление в моём живописном восприятии природы. Передо мной среди деревьев стоял заново белённый мелом дом, был солнечный день, небо кобальтовое, с одной стороны дома была тень, с другой — солнце. Я впервые увидел светлые рефлексы голубого неба, чистые и прозрачные тона. С тех пор я начал работать светлой живописью, радостной, солнечной… С тех пор я стал импрессионистом», — утверждал Малевич.

Согласно мнению ряда исследователей, чтобы убедить всех в правдивости данного утверждения, Малевич написал несколько импрессионистских картин задним числом — созданные специально к открывшейся в Государственной Третьяковской галерее выставке в 1929 году произведения художник датировал 1903—1906 годами.

Эскизы фресковой живописи

В начале своего творческого пути Малевич также создаст цикл картин, напоминающих фресковую живопись, — в том числе автопортрет, сочетающий элементы иконной живописи и модерна.

  • «Торжество неба» (1907), Казимир Малевич

Отношение художника к религии заслуживает отдельного внимания. Уже после революции в Витебске издаётся его брошюра «Бог не скинут. Искусство, церковь, фабрика». «Каждый человек спешит к совершенству своему, стремится быть ближе к Богу, ибо в Боге его совершенство, следовательно, каждый шаг человека должен быть направляем к Богу, для чего он изыскивает пути или средства — просто ищет Божеских признаков. Думая о достижениях, он построил себе два пути. Религиозный техникум и гражданский или фабричный, церковь и фабрику. Два техникума идут к одинаковой цели. И вопрос одинаков, цель одинакова и смысл — искание Бога», — писал он.

Товарищи по цеху это откровение восприняли неоднозначно. «После откровенного выпада Малевича даже сомневающиеся, даже близорукие сумеют под маской красного квадрата разглядеть чёрное лицо старого искусства. Малевичу нечего делать с левыми», — отмечал основатель «ЛЕФа» Борис Арватов.

Всего понемногу

В 1907 году Малевич переезжает в Москву, начинает посещать занятия в студии Фёдора Рерберга и принимает участие в XIV выставке Московского товарищества художников. Годом позднее открывается выставка «Салон Золотого руна». Символисты привозят в город более пятидесяти крупнейших французских мастеров, в том числе Ренуара, Дега, Сезанна, Гогена, Ван Гога, Матисса и многих других.

  • «Отдых. Общество в цилиндрах» (1908), Казимир Малевич

Эта выставка стала одним из самых ярких событий в истории искусства ХХ века и оказала огромное влияние на творческое мировоззрение ряда русских художников. Не мог не вдохновиться увиденным и Малевич, который в поисках собственного стиля обратится и к клуазонизму, и к кубизму, и к фовизму.

В последней выставке журнала «Золотое руно», открывшейся в 1909 году, Малевич — в составе авангардного объединения «Бубновый валет» — уже принимал непосредственное участие.

Кубофутуризм

Малевич беспрестанно продолжает эксперименты с пространством и движением. В 1913 году он пишет, что единственно верным течением в живописи является кубофутуризм. Тогда появляются «Женщина с вёдрами», «Портрет М.В. Матюшина», «Утро после грозы» и другие картины, признанные классическими произведениями русского кубофутуризма.

  • «Точильщик» (1912)/«Утро после грозы» (1913)

Одной из наиболее ярких работ Малевича того периода стал «Точильщик (Принцип мелькания)». В ней художник сумел совместить статику и динамику. Внимательный зритель увидит на полотне не набор геометрических фигур, а рабочего с рыжими усами, склонившегося над точильным станком и нажимающего на педаль. На заднем плане слева стоит жёлтый стол, справа виднеются ступени.

Агитационные плакаты

В 1914 году Россия вступила в Первую мировую войну, и группа авангардистов, в которую входил Казимир Малевич, создала объединение «Сегодняшний лубок» и принялась за отрисовку агитационных плакатов. Эти плакаты представляли собой изображения с шутливыми подписями и в целом сохраняли знакомую русскому народу лубочную стилистику.

  • «Глядь, поглядь, уж близко Вислы» (1914)/«Шёл австриец в Радзивилы» (1914)

Неприятель на таких рисунках представал маленьким и жалким. С таким легко могла справиться полнотелая крестьянка («Шёл австриец в Радзивилы, да попал на бабьи вилы»), а уж союзники сгребали в охапку сразу с десяток вражеских солдат с головами, похожими на жёлуди («У союзников французов — битых немцев целый кузов. А у братцев англичан — драных немцев целый чан»). Стихи эти, к слову, принадлежат другому участнику группы — Владимиру Маяковскому.

Супрематические композиции

В 1915 году Малевич в полную силу работает над созданием своих первых супрематических композиций. На последней футуристической выставке картин под названием «0,10» художник представляет 39 беспредметных работ и объясняет их смысл в манифесте «От кубизма и футуризма к супрематизму. Новый живописный реализм». На той же выставке зрителям был впервые продемонстрирован знаменитый «Чёрный квадрат», вместе с картинами «Чёрный круг» и «Чёрный крест» образующий триптих.

  • «Мистический супрематизм» (1920-е)/«Супрематическая композиция» (1916)

Наибольший вклад в развитие изобразительного искусства Малевичу удалось сделать именно благодаря основанию супрематизма. И поэтому супрематические картины в подавляющем большинстве оцениваются дороже других его работ. Десять лет назад «Супрематическая композиция» 1916 года была продана на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке за $60 млн. И по сей день она остаётся самой дорогостоящей картиной русского художника, когда-либо ушедшей с молотка.

Крестьянская тематика

«На плантациях работали крестьяне, от мала до велика, почти всё лето и осень, а я, будущий художник, любовался полями и «цветными» работниками, которые пололи или прорывали свёклу. Взводы девушек в цветных одеждах двигались рядами по всему полю. Это была война. Войска в цветных платьях боролись с сорной травой, освобождая свёклу от зарастания ненужными растениями», — так Малевич вспоминал о счастливых моментах своего детства, проведённых среди крестьян.

  • «Крестьянин» (1932)/«Косарь» (1911—1912)

В детстве художник помогал крестьянам расписывать печи, в юношестве — через иконопись пытался понять их «эмоциональное искусство». Впоследствии он многократно будет обращаться к теме крестьянства в своих произведениях.

Исследователи выделяют два «крестьянских» периода Малевича: досупрематический и постсупрематический. В первой серии крестьяне представлены в возвышенном ключе. Вероятно, вспоминая впечатления от своих детских наблюдений, Малевич восторгается их силой и трудолюбием. Второй цикл преисполнен драматизма. Теперь его крестьяне — трагичные, безликие фигуры. «Полуобразы», как их называл сам художник.

Реалистические портреты

В последние годы жизни Казимир Малевич пишет преимущественно портреты реалистического характера, нередко вдохновлённые работами мастеров Возрождения. Моделями выступают люди из близкого окружения художника — его родные, друзья, ученики.

  • «Портрет ударника» (1932)/«Автопортрет» (1933)

Широкую известность получил автопортрет Малевича 1933 года. Он же — наиболее узнаваемый из всех автопортретов художника. На этой картине Малевич изображает себя с гордо поднятой головой, будто бы демонстрируя, что не сдаётся и не отказывается от своих убеждений (чего от него постоянно требовали власть и общество). На обороте картины он оставил второе название: «Художник».

Картины, описание картин — Малевич, Казимир Северинович

Описани е картины Казимира Малевича: Крестьяне.

Искусство ХХ века сложно представить без такого знакового художника, как Казимир Малевич. Именно он в своё время наглядно отразил все искажения и парадоксы человечества для всего мира.
Малевич стремился раскрыть искусство с разных сторон. В картине «Крестьяне», в последующем положившее начало целому циклу о сложной крестьянской жизни, показаны трое обычных трудящихся крестьянина. В самом начале разработок данной тематики художник считал, что жизнь «мужика из деревеньки» легкая и простая, ведь не надо знать тысячи наук, а также невероятное количество правил грамматики. Лишь приехав на поля, где крестьяне трудились в поте лица, он понимает, что им живётся гораздо сложнее.
Малевич решает привлечь аудиторию к проблемам крестьянства и создаёт уникальную картину «Крестьяне». Герои нарочно показаны в одной плоскости с гипертрофирован ными фигурами для усиления образов. Нет ни намёка на детализацию каких-то частей, лишь единственный символизм цветов:
· Синий цвет, заполняющий большую часть холста, означает простоту души, открытость миру и постоянство духа
· Желто-коричневы й оттенок – принадлежность и взаимосвязь с землёй и окружающей средой
· Зелёный цвет в центре, гармонично вписывающийся между симметричным белым, ¬¬- обозначает символ равновесия, цикличности жизни и близости к природе.
· Чёрный цвет – характерная маска, накрывшая все лица чёрной пеленой и, не давая разглядеть какие-то детали. Означает цвет этот трудности, бесцельность жизни в этом мире и постоянную борьбу с высшими сословиями, несмотря на отмену крепостного права.
· Белый цвет представлен как символ надежды на будущее, гармонично вписывающийся в круговорот всей жизни и само изображение. Светлые одежды означают движение вперёд, с целью сделать природу беспредметной, что означало бы шанс на очищение от всего мирского.
· Но достигнуть просветления трудно, и не каждому в этом мире дано. Красный цвет означает трудности и преграды, которые придётся преодолеть, чтобы найти то место, где ждёт безоблачное небо и «белая» свобода.
Придавая картине символизм, Малевич достиг большого результата, нежели его друзья-художник и. Его полотно можно часами анализировать, и каждый раз открывать для себя что-то новое.

Михаил Матюшин — Mikhail Matyushin

Портрет Елены Гуро, около 1900 г.

Михаил Васильевич Матюшин ( русский : Михаил Васильевич Матюшин ; 1861 г. в Нижнем Новгороде — 14 октября 1934 г. в Ленинграде ) — русский художник и композитор, ведущий представитель русского авангарда . В 1910–1913 гг. Матюшин и его жена Елена Гуро (1877–1913) были ключевыми членами Союза молодежи — объединения русских футуристов . Матюшин, профессиональный музыкант и художник-любитель, изучал физиологию человеческих чувств и разработал собственную концепцию четвертого измерения, соединяющего изобразительное и музыкальное искусство, теорию, которую он применял на практике в классах Ленинградской мастерской Вхутеина и ИНХУКа (1918–1934). ) и резюмируется в его Справочнике по цвету 1932 года. Матюшин провел эксперименты в своем Визиологическом центре (Зорвед), чтобы продемонстрировать, что расширение зрительной чувствительности от оптических центров сетчатки позволит открыть «новую органическую субстанцию ​​и ритм в восприятии человека». Космос.» Он пытался научить себя и своих учеников видеть обоими глазами, каждый независимо, и расширить поле их зрения. Он описывает некоторые из своих работ и идей в длинном эссе под названием «Опыт художника в новом пространстве».

биография

Ранняя карьера

Матюшин был внебрачным сыном помещика и крепостной женщины. По его собственным воспоминаниям, в раннем возрасте он сам учился чтению, письму и игре на скрипке; в восемь лет поступил в музыкальные классы Нижегородской Концерватории, а в 1875 году — в Московскую консерваторию . Матюшин тоже был склонен к живописи, но в то время не мог позволить себе обучение в колледже. После его окончания в 1881 году Матюшин присоединился к придворному оркестру в Санкт-Петербурге и профессионально играл с ним до 1913 года. Он получил формальное художественное образование в независимой школе в Санкт-Петербурге в 1890-х годах.

Кубофутуризм

Портрет Елены Гуро, 1910 г.

Матюшин познакомился со своей второй женой, писательницей и художницей Еленой Гуро , в художественной школе Яна Цонлински, где оба учились в 1903–1905 годах. Гуро, который был на шестнадцать лет младше его, резко изменил взгляд Матюшина на искусство и общество, и оба они стали семенем российского кубофутуристического движения, развивающегося параллельно с итальянским футуризмом . Матюшин был самым старым человеком среди футуристов, и Александр Блок саркастически писал, что Матюшин «футуристически стремится выглядеть моложе». В 1910 году Матюшин и Гуро выступили спонсорами и соавторами первого альманаха русских футуристов « Ловушка для судей» ( Садок судей ) . Супруги не имели детей, но в 1912 Гуро, страдающем от лейкемии , изобретенные «моего незабвенного сына», литературной мистификация , что сохранялось мимо ее смерти и стал предметом ее книгами Осеннего Сна ( Осенний сон , 1912) на музыку Матышиной в 1921 году. Умерла в апреле 1913 года.

Победа над солнцем

В том же 1913 году, когда стал ANNUS Mirabilis из русского авангарда , Союз молодежи подготовил два экспериментальных театральных представлений, Владимир Маяковский: трагедия на В.Маяковского и Победа над солнцем , оперы Велимира Хлебникова , Алексея Крученых ( либретто ), Матюшина (музыка) и Казимира Малевича (сценография). <Tillberg 2013ref name = C39 /> По словам Матюшина, « Солнце дешевых выступлений» этой оперы было не чем иным, как повседневным ощущением реальности, которая уже не является безошибочной. ; даже галилеевские основы космогонии могут быть изменены людьми, которые однажды станут способными физически захватить Солнце. С тех пор опера стала известна тем, что в ней впервые появился « Черный квадрат» Малевича .

INHUK был закрыт и объединен с Государственным институтом визуальных искусств (GIII) в декабре 1925 г .;

Теории искусства

В 1918 году художники-авангардисты переняли бывшую Императорскую Академию художеств , переименованную в « Свободные мастерские» ( SVOMAS ), где Матюшин вел свой собственный художественный класс по цвету . В 1921 году государство перезапустило Академию и вновь установило у ее руля сторонников неоклассического возрождения ; Несмотря на протесты общественности, Матюшин, Малевич и Владимир Татлин лишились кресел. Матюшин и Малевич отступили в стены Ленинградского института художественной культуры (ИНХУК), где Матюшин и его ученики продолжали эксперименты с цветом и восприятием.

Матюшин, наряду с Малевичем и Павлом Филоновым , был перцептивным милленаристом , уверенным, что границы индивидуального человеческого восприятия еще не исследованы и могут быть значительно расширены почти мистическим образом. Движение начало угасать примерно в 1915 году и уступило место конструктивистской идеологии в начале 1920-х, но Матюшин, Малевич и Филонов оставались верными милленарианству до 1920-х годов.

Другой проблемой, которой занимался Матюшин, была неспособность человека видеть все 360 градусов. В 1923 году Матюшин писал, что решение лежит в личном развитии художника до точки, где он достигает «физиологического изменения прежнего метода восприятия», и ввел концепцию тыльной плоскости , слоя обратной информации, ранее «находившейся вне человеческой сферы». из-за недостатка опыта «. Матюшин сформировал новую исследовательскую группу, Zorved ( Зорвед , буквально видеть и знать ) и утверждал , что он обнаружил доказательство восприятия событий и объектов , расположенные позади человека, и что люди обладают зрительными центрами , способными решать это назад «видение».

Наследие

Дом Матюшина, 2009 г.

В деревянном доме Матюшина и Гуро в Санкт-Петербурге ( 59.970912 ° N 30.312384 ° E ) теперь находится Музей авангарда в Санкт-Петербурге , подразделение Государственного исторического музея Санкт-Петербурга. Дом, построенный в 1840 — х или 1850 — х годах, стала собственностью Литературного фонда ( Литературный фонд ) в 1904 году и работает как гостиница для художников. Матюшин и Гуро переехали в квартиру № 12 в 1912 году. Здесь также жили Малевич, Филонов, Маяковский и другие известные художники русского авангарда и соцреализма .
59 ° 58′15 ″ с.ш. 30 ° 18′45 ″ в.д.  /   / 59.970912; 30,312384

Ольга Константиновна, третья жена и вдова Матюшина, жила здесь до самой смерти в 1975 году; во время блокады Ленинграда ее комнату занял Всеволод Вишневский, и особым распоряжением здание не было снесено на дрова . После 1979 года, когда последние жители переселились или умерли, дом Матюшина стал публичным музеем. Однако нынешнее здание является современной копией: в 1987 году первоначальный дом был разобран и перестроен из нового дерева; после пожара 1990 года и многих последующих неудач он был снова восстановлен и вновь открыт в 2006 году.

Галерея

  • Живописно-музыкальная композиция , 1918 г.

  • Абстрактная композиция с кристаллическими формами , 1920 г.

  • Движение в космосе (ок. 1923)

использованная литература

Маргарета Тилльберг: Цветная вселенная и русский авангард. М. В. Матюшин о цвете и видении в сталинской России 1932. Стокгольмский университет, 2003. ISBN   91-7265-683-2

Маргарета Тилльберг: Цветная вселенная. Михаил Матюшин об искусстве и жизни. Москва: Новое литературное обозрение, 2008. (översättning av Colored Universe). ISBN   978-5-86793-600-6
Маргарета Тилберг: «Будь зрителем с большим ухом. Музыка Михаила Матюшина к победе над Солнцем в виде звуко-ретинального эха в космосе», в книге «Победа над Солнцем». Розамунд Бартлетт и Сара Дадсуэлл, ред. Exeter University Press, 2012. ISBN   978 0 85989 839 3
Маргарета Тилберг: «Farbe als Erfahrung. Experiment und Anwendung in Kunst und Wissenschaft an der Moskauer GAChN und am Leningrader GINChUK», в Die vergessene Akademie. Hrsg. Aage Hansen-Löve Brigitte Obermeyr, Георг Витте, München: Fink Verlag, 2013. ISBN   978-3-7705-5121-7

Источники

  • Кларк, Катерина (1998). Петербург, горнило культурной революции . Издательство Гарвардского университета. ISBN   978-0-674-66336-7 .
  • Кук, Раймонда (1987). Велимир Хлебников: критическое исследование . Издательство Кембриджского университета. ISBN   978-0-521-32670-4 .
  • Эверделл, Уильям (1997). Первые современные: профили в истоках мысли двадцатого века . Издательство Чикагского университета. ISBN   978-0-226-22480-0 .
  • Ховард, Джереми (1992). Союз Молодежи: общество художников русского авангарда . Manchester University Press ND, 1992. ISBN   978-0-7190-3731-3 .
  • Лич, Роберт (1994). Революционный театр . Рутледж. ISBN   978-0-415-03223-0 .
  • Гродберг, Кристи А., Елена Гуро в: Ледковская-Астман, Мария; и другие. (1994). Словарь русских писательниц . Издательская группа «Гринвуд». ISBN   978-0-313-26265-4 . стр. 238–242
  • Матюшин, Михаил (2007). Михаил Матюшин. Профессор академии художеств (Михаил Матюшин: профессор Академии художеств) (на русском и английском языках). NT Print, Москва. ISBN   978-5-901751-70-1 .
  • Перлофф, Марджори (2003). Момент футуризма: авангард, авангард и язык разрыва . Издательство Чикагского университета. ISBN   978-0-226-65738-7 .
  • Робертс, Грэм (2006). Последний советский авангард: ОБЕРИУ — факт, вымысел, метафикшн . Издательство Кембриджского университета. ISBN   978-0-521-02834-9 .
  • Смит, Бернард (1998). История модернизма: исследование искусства и идей двадцатого века . UNSW Press. ISBN   978-0-86840-744-9 .
  • Волков, Соломон (1995). Санкт-Петербург: история культуры . Свободная пресса. ISBN   978-0-02-874052-2 .

Маргарета Тилльберг: Цветная вселенная и русский авангард. М. В. Матюшин о цвете и видении в сталинской России 1932. Стокгольмский университет, 2003. ISBN   91-7265-683-2
Маргарета Тилльберг: Цветная вселенная. Михаил Матюшин об искусстве и жизни. Москва: Новое литературное обозрение, 2008. (перевод Цветной Вселенной). ISBN   978-5-86793-600-6
Маргарета Тилберг: «Будь зрителем с большим ухом. Музыка Михаила Матюшина к победе над Солнцем в виде звуко-ретинального эха в космосе», в книге «Победа над Солнцем». Розамунд Бартлетт и Сара Дадсуэлл, ред. Exeter University Press, 2012. ISBN   978 0 85989 839 3
Маргарета Тилберг: «Farbe als Erfahrung. Experiment und Anwendung in Kunst und Wissenschaft an der Moskauer GAChN und am Leningrader GINChUK», в Die vergessene Akademie. Hrsg. Aage Hansen-Löve Brigitte Obermeyr, Georg Witte, München: Fink Verlag, 2013. ISBN   978-3-7705-5121-7

внешние ссылки

Портрет Михаила Матюшина, 1913 год. Художник # 14883503 Фото в рамке

.

Плакат с портретом Михаила Матюшина, 1913 г. Художник: Казимир Малевич

Портрет Михаила Матюшина, 1913 год. Из собрания Государственной Третьяковской галереи, Москва

.

© Fine Art Images

Идентификатор носителя 14883503

Аннотация
, Авангард
, Геометрическая абстракция
Казимир Малевич
, Казимир
Казимир Малевич
Казимир Малевич
Казимир Северинович
Казимир Северинович Малевич
, Малевич
, Малевич Казимир
, Матюшин
, Михаил
, Михаил Васильевич Матюшин, Михаил Васильевич Матюшин, Михаил Васильевич Матюшин, Михаил Васильевич Матюшин, Супрематизм
, Супрематист

A4 (30×21 см) Плакат

Бумага для плакатов архивного качества, идеально подходит для печати больших изображений

check

Pixel Perfect Guarantee

check

Сделано из высококачественных материалов

проверить

Размер продукта 29.7 x 21 см (прибл.)

check

Профессиональное качество отделки

Плакат A4 (30 x 21 см, 8,3 x 11,7 дюйма), напечатанный на атласной плакатной бумаге плотностью 170 г / м2. Надежно упакованы, свернуты и вставлены в прочный почтовый тубус и отправлены отслеживаются. Плакаты имеют сопоставимое архивное качество с нашими фотографиями, они просто печатаются на более тонкой плакатной бумаге. Хотя мы используем только фотографические принты в наших рамках, вы можете обрамлять плакаты, если они тщательно поддерживаются, чтобы предотвратить провисание со временем.

Это изображение доступно в виде
Печать в рамке
, Фотографическая печать
, Пазл
, Печать на холсте
, Печать плакатов
, Сумка
, Фото кружка
, Поздравительные открытки
, Подушка
, Металл Печать
, Репродукция картин
, Установленное фото
, Стеклянная рамка
, Акриловый блок
, Печать в рамке
, Коврик для мыши
, Стеклянные коврики
, Стеклянная подставка

Водяной знак не появляется на готовой продукции

Полный диапазон художественной печати

Наши стандартные фотоотпечатки (идеально подходят для кадрирования) отправляются в тот же или на следующий рабочий день, а большинство других отправлений — на несколько дней позже.

Печать в рамке (57,63 — 294,62 доллара)

Наши современные репродукции в рамке профессионально сделаны и готовы повесить на вашу стену

Фотографическая печать (8,95–192,14 доллара)

Наши фотопринты напечатаны на прочной бумаге архивного качества для яркого воспроизведения и идеально подходят для кадрирования.

Пазл (35,86–48,67 долларов)

Пазлы — идеальный подарок на любой случай

Canvas Print (38,42 — 243,38 долларов)

Профессионально сделанные, готовые к развешиванию Печать на холсте — отличный способ добавить цвет, глубину и текстуру в любое пространство.

Печать плакатов (14,08 — 76,85 долларов)

Бумага для плакатов архивного качества, идеально подходит для печати больших изображений

Большая сумка ($ 38,37)

Наши сумки-тоут изготовлены из мягкой прочной ткани и оснащены ремнем для удобной переноски.

Photo Mug (12,80 долларов США)

Наслаждайтесь любимым напитком из подарочной кружки с индивидуальным принтом. На наших кружках напечатано изображение по вашему выбору

Поздравительные открытки ($ 7,65)

Поздравительные открытки для дней рождения, свадеб, юбилеев, выпускных, благодарностей и многого другого

Подушка (32 доллара.01 — 57,63 долл. США)

Украсьте свое пространство декоративными мягкими подушками

Metal Print (203,68 доллара)

Оживите свои фотографии с помощью металлических отпечатков! Прочный металл и роскошная техника печати придадут интерьеру современный вид.

Fine Art Print (38,42 — 512,39 долларов)

Наши репродукции репродукций произведений искусства соответствуют стандартам самых критичных музейных хранителей. Это лучшее, что может быть лучше оригинальных произведений искусства с мягкой текстурированной естественной поверхностью.

Фото

($ 16.64 — 166,52 долл. США)

Фотопринты поставляются в держателе для карт с индивидуальным вырезом и готовы к обрамлению

Glass Frame (29,45 — 88,39 долларов)
Крепления из закаленного стекла
идеально подходят для настенного дисплея, а меньшие размеры также можно использовать отдельно с помощью встроенной подставки.

Acrylic Blox (38,42–64,04 доллара)

Обтекаемая, современная односторонняя привлекательная настольная печать

Печать в рамке (57,63 — 320,24 доллара)

Наш оригинальный ассортимент британских принтов в рамке со скошенным краем

Коврик для мыши (17 долларов.92)

Фотопечать архивного качества на прочном коврике для мыши с нескользящей подложкой. Работает со всеми компьютерными мышками.

Стеклянные коврики

($ 64,04)

Набор из 4 стеклянных ковриков. Элегантное полированное безопасное стекло и термостойкое. Также доступны подходящие подстаканники

Glass Coaster (10,24 доллара)

Индивидуальная стеклянная подставка под столешницу. Элегантное полированное безопасное закаленное стекло и подходящие термостойкие коврики также доступны

Михаил Васильевич Матюшин | Русский художник, композитор и теоретик

Матюшин Михаил Васильевич (родился 1861, Нижний Новгород, Российская Империя — умер 14 октября 1934 года, Ленинград, Россия, У.S.S.R. [ныне Санкт-Петербург, Россия]), русский художник, композитор и теоретик, который был одним из ведущих представителей русского авангарда.

Матюшин учился в Московской консерватории с 1878 по 1881 год и уже был профессиональным музыкантом — первым скрипачом Петербургского придворного оркестра (1881–1913), когда начал рисовать. Сначала он работал художником-самоучкой, а в 1898 году закончил художественное образование в Обществе поощрения художеств. После этого обучения он поступил в мастерскую Яна Ционглинского (1898–1906), где познакомился с Еленой Гуро (его будущая [вторая] жена) и два семестра (1906–08) проучилась в частной студии Елизаветы Званцевой у Леона Бакста и Мстислава Добужинского.

В 1909 году Матюшин принял участие в выставке группы Николая Кульбина «Треугольник», где познакомился с главными представителями русского футуризма: братьями Бурлюками; поэты Василий Каменский, Велимир Хлебников, Владимир Маяковский. В 1911 году он познакомился также с Казимиром Малевичем и Алексеем Кручоных. В ноябре 1909 года Матюшин и Гуро основали группу, известную как «Союз молодежи», которая в основном состояла из бывших членов «Треугольника». Несмотря на то, что пара вскоре покинула группу из-за разницы в эстетических взглядах, Гуро и Матюшин оставались в тесном контакте и участвовали в выставках Союза молодежи, последняя из которых проходила зимой 1913–1914 годов.

Гуро не дожил до некоторых ярких моментов жизни Матюшина. Летом 1913 года Союз молодежи вместе с группой поэтов-футуристов «Гилея» организовал Театр Будетлянин («Театр футуриста»), манифест которого составили Кручоных, Малевич и Матюшина. К декабрю 1913 года была смонтирована опера «Победа над солнцем» на музыку Матюшина, пролог Хлебникова, либретто Кручоных, костюмы и декорации Малевича.Опера была примечательна использованием беспрецедентных звуковых эффектов, включая гром пушечного огня и шум двигателей.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту.
Подпишитесь сейчас

Гуро сыграл большую роль в жизни Матюшина. В 1913 году, несомненно, под влиянием Гуро, он начал теоретическую работу по теме пространства в живописи. Его особенно интересовал процесс, с помощью которого человеческий глаз воспринимает цвет и пространство. После русской революции 1917 года он продолжил свои теоретические исследования в Петрограде (ныне Санкт-Петербург).Санкт-Петербург) Институт художественной культуры, где стал заведующим отделом органической культуры. Именно там он составил свой манифест «Зорвед» (название представляет собой комбинацию слов зоркост, означающих острое зрение, и ведание, что означает знание) и основал одноименную группу, состоящую из своих многочисленных учеников. Результатом многолетней работы группы «Зорвед» стал «Справочник по цвету: закономерность изменения цветовых сочетаний» (1932; «Справочник цвета: законы изменчивости цветовых сочетаний»).

Портрет художника Михаила Матюшина Казимира Малевича Картина маслом оптом Китай Фоторамка 19268

Казимир Малевич:

1878-1935
Галерея Казимира Малевича
В 1904 году, после смерти отца, он переехал в Москву. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества с 1904 по 1910 год и в мастерской Федора Рерберга в Москве (1904–1910). В 1911 г. участвовал во второй выставке группы «Союз Молодежи» в Санкт-Петербурге.В Петербурге вместе с Владимиром Татлиным, а в 1912 году группа провела свою третью выставку, на которой были представлены работы Александры Экстер, Татлина и других. В том же году он участвовал в выставке коллектива «Ослиный хвост» в Москве. К тому времени его работы находились под влиянием Натальи Гончаровой и Михаила Ларионова, русских художников-авангардистов, которых особенно интересовало русское народное искусство, называемое лубком. В марте 1913 года в Москве открылась большая выставка картин Аристарха Лентулова.Эффект от этой выставки можно было сравнить с выставкой Поля Сезанна в Париже в 1907 году, так как все основные русские художники-авангардисты того времени (включая Малевича) сразу же впитали принципы кубизма и начали использовать их в своих работах. Уже в том же году с большим успехом имела успех кубофутуристическая опера «Победа над солнцем» в постановке Малевича. В 1914 году Малевич выставлял свои работы в Салоне Независимых в Париже вместе с Александром Архипенко, Соней Делоне, Александрой Экстер, Вадимом Меллером и другими.Остается одной из великих загадок искусства ХХ века, как, ведя комфортную карьеру, в течение которой он просто следил за всеми последними тенденциями в искусстве, в 1915 году Малевич внезапно пришел к идее супрематизма. Тот факт, что Малевич на протяжении всей своей жизни подписывал и переписывал свои произведения с использованием более ранних дат, делает этот поворот в его творческой карьере еще более неоднозначным. Как бы то ни было, в 1915 году он опубликовал свой манифест «От кубизма к супрематизму». В 1915-1916 гг. Работал с другими художниками-супрематиками в крестьянско-ремесленном кооперативе в Скопцах и селе Вербовка.В 1916-1917 годах участвовал в выставках группы «Бубновый валет» в Москве вместе с Натаном Альтманом, Давидом Бурлюком, А. Экстером и другими. Известные примеры его супрематических работ включают «Черный квадрат» (1915) и «Белое на белом» (1918).

В 1918 году Малевич оформил пьесу Владимира Маяковского «Тайный буф» в постановке Всеволода Мейерхольда.

Малевич также признал, что его увлечение аэрофотосъемкой и авиацией привело его к абстракциям, вдохновленным воздушными пейзажами или заимствованными из них.Кандидат в докторантуру Гарварда Джулия Бекман Чадага пишет: «В своих более поздних работах Малевич определил« дополнительный элемент »как качество любой новой визуальной среды, вызывающей изменение восприятия … В серии диаграмм, иллюстрирующих окружающую среду. ‘которые влияют на различные стили живописи, супрематизм ассоциируется с серией видов с воздуха, превращающих знакомый пейзаж в абстракцию … «(отрывок из доклада г-жи Бекман Чадага, представленного на симпозиуме Колумбийского университета 2000 г.,» Искусство, технологии и современность » в России и Восточной Европе »).фарфор картина маслом Казимир Малевич Портрет художника Михаила Матюшина

Малевич Портрет М.В.матюшина Дешевая Репродукция картины маслом Казимира Малевича на холсте

Малевич Портрет М.В.матюшина Дешевая Репродукция картины маслом Казимира Малевича на холсте

Размеры и цена

50×49 см
20 дюймов x 19 дюймов

$ 139

60×59 см
23,6 дюйма x 23 дюйма

$ 154

80×79 см
31.5 дюймов x 31 дюймов

$ 171

Лучший продавец

100×98 см
39,4 дюйма x 38 дюймов

$ 265

120×118 см
47,25 дюйма x 46 дюймов

$ 382

150 см x 148 см
59 дюймов x 58 дюймов

$ 599

200×197 см
78,75 дюймов x 77 дюймов

$ 1064

Спасибо, что выбрали нашу студию для вашего artowrk.

Ваша репродукция картины Малевича Портрет М.В.матюшина написана вручную традиционным способом. Подготовка холста, раскраска, сушка краски и отправка вам занимает несколько недель. Наберитесь терпения, великое ремесло требует времени.

Другие произведения, которые могут вас заинтересовать

Купить масляную репродукцию картины Малевича Портрет М.в.матюшин по хорошей цене

Наши дешевые репродукции масляных картин написаны вручную на холсте хорошего качества с использованием высококачественных пигментов. Репродукции масляных картин используются в дизайне интерьера, чтобы украсить ваш дом или место работы.

Мы уделяем особое внимание вашей картине на холсте, чтобы она была исключительной. Наша прекрасная репродукция Малевича Портрет М.В.матюшина — лучшее качество, которое можно купить за деньги, и произведение искусства, которое вы сможете сохранить на долгие годы.

Философия нашей дешевой репродукции картины маслом Казимира Малевича на холсте заключается в том, чтобы сосредоточиться на строгом контроле за обработкой искусства, чтобы обеспечить ваше удовлетворение. Мы стремимся увеличить нашу клиентскую базу и поддерживать лояльность клиентов за счет доверия к нашим продуктам и постоянного высокого качества обслуживания.

Ваш нарисованный холст будет доставлен свернутым в тубус для максимальной безопасности.

Мы находимся во Вьетнаме, но можем отправить вашу репродукцию картины Малевича Портрет М.в.матюшин в любую точку мира по себестоимости доставки UPS или FedEx.

Сравните пропорциональные размеры Малевича Портрет М.В.матюшина, написанный вручную на холсте

Реальный отзыв клиента

© Copyright 1986-2021 Вьетнамские картины

101 Bui Vien street, District 1, Хошимин, Вьетнам
Оценок: 4.9 / 5 на основании 10452 отзывов

Казимир Малевич: человек, освободивший живопись | Картина

Черный квадрат Казимира Малевича 1915 года настолько хрупок, что Государственная Третьяковская галерея в Москве отказывается предоставить его.Даже на площадку в России. Чтобы добраться до него в Третьяковке, вам нужно пройти через залы традиционной русской живописи и пройти мимо гораздо большего количества современных полотен, наполненных изображениями, подвергнутыми полукубистической фрагментации. И вдруг вот она, высоко висящая — это относительно небольшая картина, заполненная большим черным квадратом, парящая над усталой белой землей. Среди визуального шума в других частях музея это действует как внезапная тишина. И первое, что замечаешь, это то, что поверхность черного квадрата покрыта кракелюром.Его заброшенное состояние действует как протест и напоминает зрителю, что в 1934 году, когда социалистический реализм был объявлен официальной художественной доктриной Советского Союза, эта картина и многие другие работы Малевича были внезапно удалены и скрыты от глаз. Прошло более 40 лет, прежде чем «Черный квадрат» вернулся на всеобщее обозрение.

В 1915 году это была ключевая картина в открытии Малевичем «супрематизма». Это странное слово происходит от supremus, что означает «высший» или «усовершенствованный», и относится к намерению Малевича освободить живопись от оков мимесиса и репрезентации, поднять ее на более высокое состояние и к большей пространственной свободе.Около двух лет он тайно работал над этим новым подходом к созданию искусства, скрывая результаты от глаз, пока не показал большую группу супрематических картин на легендарной Последней футуристической выставке живописи 0.10, проходившей в Художественном бюро Добчины в г. недавно названный Петроград. Они не образовывали четкой линии, а были неравномерно расставлены по стенам, от пола до потолка, создавая свое собственное окружение.

Черный квадрат висел в углу прямо под потолком. Это положение поперек стены перекликалось с угловыми рельефами Владимира Татлина, которые появились рядом на выставке.Но использование высокого углового пространства также напоминало о сакральном, поскольку именно там обычно висела икона в традиционном русском доме. Черный квадрат Малевича заменил более привычный золотой фон, связанный с божественностью. Вместо этого он смотрел в комнату, предлагая яростно недвусмысленное формалистское благословение.

Черный квадрат 1929 года Казимира Малевича. Фотография: Государственный Третьяков, Москва, Россия

Малевич датировал эту работу 1913 годом, но это неверно: на кракелюре видны небольшие проблески красного цвета, что привело к рентгеновскому открытию, что квадрат нарисован поверх более ранней супрематической композиции.Но Малевичу было удобно предположить, что генезис супрематизма лежит в этой резкой оппозиции черного и белого. В 1913 году он сотрудничал с писателями Алексеем Крученых и Велимиром Хлебниковым, а также с композитором Михаилом Матюшиным над футуристической оперой «Победа над солнцем». Он был полон бессмыслицы, но также был задуман как протест против религиозных доктрин и царского абсолютизма. В либретто не упоминается черный квадрат, но было отмечено, что в сцене, изображающей похороны солнца, черный квадрат на заднике указывает на гроб солнца, в то время как носители покрова носят черные квадраты на своих пальто и шляпах. .На одном из стенографических эскизов Малевича к занавесу также изображен квадрат, разделенный пополам диагональной линией. «Этот рисунок, — объявил он в 1915 году, — будет иметь большое значение для живописи. То, что было сделано бессознательно, теперь приносит необычайные плоды».

Насколько необычным можно увидеть в галерее Тейт Модерн, где 16 июля откроется первая за почти 25 лет выставка Малевича. Малевич (1879-1935) родился на Украине, польского происхождения. Он вырос на огромных просторах сахарных полей Украины; его отец был менеджером сахарных заводов.Около 1890 года семья переехала в город под Киевом. До этого он не проявлял особого интереса к рисованию, но его детская любовь к наблюдению за парящими в небе аистами и ястребами наводит на мысль об увлечении свободой, связанной с полетом в космос. Позже, в некоторых из его супрематических композиций, абстрактные формы были расположены так, что напоминали легкие самолеты, если смотреть сверху, извиваясь и поворачиваясь в белом пространстве.

В подростковом возрасте он научился рисовать, переняв методы, используемые в местном крестьянском или народном искусстве.Позже, после того, как он начал изучать искусство и в 1907 году переехал на постоянное место жительства в Москву, он перешел через реализм, импрессионизм и символизм, приобретя по пути очень хорошее понимание истории искусства. Большое значение для его развития имели две коллекции произведений искусства с запада, собранные богатыми торговцами текстилем, Сергеем Щукиным и Иваном Морозовым. В своих дворцовых резиденциях Малевич познакомился с работами Моне, Гогена, Сезанна, Матисса и Пикассо. Это придало еще больше энергии его стремлению к авангардному стилю, и его головокружительные стилистические изменения теперь коснулись кубизма и футуризма.Но после этого воздействия — в течение очень сжатого периода времени — на такое множество стилей, ему потребовался период изоляции. Это было обеспечено первой мировой войной: только тогда, будучи отрезанным от внешних стимулов, он мог совершить великий скачок, который олицетворяет супрематизм.

Его собственные сочинения указывают на сложную теоретическую основу использования им столь смелого абстрактного языка. Его часто называют мистиком из-за его широкого чтения в философской и теоретической литературе.Он также был очарован идеями, окружающими четвертое измерение, но его мышление об искусстве находилось под решающим влиянием его ассоциации с русским формалистом Романом Якобсоном и поэтическими нововведениями Крученых и Хлебникова. Он разделял с этими поэтами желание взорвать общепринятую логику, чтобы прийти к новому эмпирическому пониманию реальности.

Фрагмент автопортрета Казимира Малевича. Фотография: Государственный Третьяков, Москва, Россия

Он также был в долгу перед своими коллегами-художниками Натальей Гончаровой и Михаилом Ларионовым, которые возродили его страсть к народному искусству и его интерес к силе икон.Прямолинейность выражения в народном или крестьянском искусстве кроется за тупой простотой некоторых его супрематических картин. Как художник, учитель и революционер, он был полон решимости разрушить то, что он видел, поскольку буржуазия держится за искусство, что превратило живопись в «галстук на накрахмаленной рубашке джентльмена и розовый корсет в животе толстой женщины. «. Горькая ирония заключается в том, что позже в его карьере, когда социалистический реализм был в порядке вещей, его искусство и он сам подвергались критике со стороны советских властей как «буржуазных».

Однако никто не был более решителен, чем Малевич, чтобы перевернуть многовековую живопись, уходящую корнями в идеалы Возрождения. Он заявил, что это искусство было просто «эстетическим» и, в отличие от супрематизма, никогда не было оригинальным или самоцелью. Утверждают, что Малевич пошел дальше Пикассо или Матисса. В то время как они сохраняли некую форму изображения, как бы сильно ни доводили ее до предела, Малевич вообще отказался от изображения действительности.

Таким образом, его Черный квадрат 1915 года, даже в своем потрепанном состоянии, остается иконой бескомпромиссно современной эпохи.Каталог Тейт называет это «tabula rasa», и это правильно, поскольку это было опустошение всех привычек, уловок, навыков, беспорядка и ценностей, связанных с живописью. Малевич был не прочь сделать и другие версии этого знакового произведения. Два из них включены в эту выставку, но не полотно 1915 года. Тем не менее, эта отсутствующая картина из-за длинной тени, которую она отбрасывает в своих постоянных сомнениях в природе и цели искусства, является, пожалуй, самым доминирующим присутствием во всей выставке.

Малевич: революционер русского искусства в галерее Тейт Модерн, Лондон, SE1, с 16 июля по 26 октября. tate.org.uk.

▷ Казимир Малевич | Купить Original Art Online

Казимир Малевич — один из первых художников-абстракционистов ХХ века и создатель супрематического движения. Казимир Северинович Малевич родился 26 февраля 1878 года под Киевом. В 1902 году переехал в Москву, учился в Московском институте живописи, скульптуры и архитектуры.

В первые годы своей карьеры он экспериментировал с различными стилями модернизма и участвовал в авангардных выставках, таких как выставки Московского союза художников, в которые входили Василий Кандинский и Михаил Ларионов, а также выставка «Бубновый валет» 1910 года. в Москве. Свои примитивистские картины с изображением крестьян Малевич показал на выставке «Ослиный хвост» в 1912 году. После этой выставки он порвал с группой Ларионова. В 1913 году Малевич вместе с композитором Михаилом Матюшиным и писателем Алексеем Крученых составил манифест Первого съезда футуристов.В том же году он разработал декорации и костюмы для оперы Матюшина и Крученых «Победа над солнцем». Малевич показал в Салоне Независимых в Париже в 1914 году.

На 0.10: Последняя выставка футуристов в Петрограде в 1915 году Малевич представил свои необъективные геометрические супрематические картины. После русской революции 1917 года Малевич и другие передовые художники были поощрены советским правительством и заняли видные административные и преподавательские должности.В 1919 году он начал исследовать трехмерные приложения супрематизма в архитектурных моделях. Малевич начал преподавать в Витебском народном художественном училище в 1919 году; вскоре он стал ее директором.

В 1919–20 на Шестнадцатой Государственной выставке в Москве ему была дана персональная выставка, посвященная супрематизму и другим необъективным стилям. Малевич и его ученики в Витебске сформировали супрематическую группу «Уновис». С 1922 по 1927 год он преподавал в Институте художественной культуры в Петрограде, а с 1924 по 1926 год вместе со своими учениками работал преимущественно над архитектурными макетами.

В 1927 году Малевич отправился с выставкой своих картин в Варшаву, а также поехал в Берлин, где его работы были показаны в Grosse Berliner Kunstausstellung. В Германии он встретил Жана Арпа, Наума Габо, Ле Корбюзье и Курта Швиттерса и посетил Баухаус, где познакомился с Вальтером Гропиусом. Третьяковская галерея в Москве подарила Малевичу персональную выставку в 1929 году. Из-за его связей с немецкими художниками он был арестован в 1930 году, и многие его рукописи были уничтожены. В последний период своей жизни он рисовал в изобразительном стиле.Малевич умер 15 мая 1935 года в Ленинграде. Его похоронили в гробу, украшенном супрематическими мотивами.

Читать далее

Был ли Малевич абсурдистом? | Frieze

Казимир Малевич, Автопортрет, 1908-1910, Государственная Третьяковская галерея, Москва

Большинство научных попыток объяснить художника окрашены ползучим беспокойством — никогда полностью не признаваемым — по поводу предполагаемой непостижимости его работ и сочинений. Почему так? Свинцовая серьезность? Тяжелость действительно иногда так сильно тянет его сочинения, что любой, кто разбирается в диалектике, может фактически предположить обратное: то, что кажется таким тяжелым, на самом деле может быть легким — абсурдные преувеличения, указывающие на пародию.Погодите: Малевич как художник, руководствующийся понятиями абсурда?

Малевич начал свой творческий путь с импрессионистических, символических, фовистических картин. Его картины русских крестьян переняли элементы иконописи, прежде чем он перешел к кубистическим, кубофутуристическим и так называемым «алогическим» картинам. В соответствии с модернистским кредо прогресса, эти работы часто представлялись как линейная последовательность отдельных стилей. Однако с 1910 года, если не раньше, Малевич писал сразу в нескольких стилях.Есть кубистические работы с 1911 года — а не только с 1913 года, как пытались предложить большинство выставок, — и в тот же период он также создал крестьянские и алогические картины.

Малевич был не единственным русским художником, проявившим такой необычный подход. Как показала крупная ретроспектива 1913 года выдающейся художницы Натальи Гончаровой в Москве, она тоже писала одновременно в нескольких стилях: импрессионист, святые за иконами, портреты в стиле японской гравюры на дереве, странные кубистские статуи, основанные на скифских легендах.И она сделала это намеренно, как заявил критик Илья Зданевич в лекции, прочитанной во время выставки, чтобы подорвать основанные на прогрессе претензии на гегемонию и лидерство, которые проявляет модернизм по мере его распространения с Запада. 1

В то время в Москве целое поколение молодых художников, поэтов, музыкантов и ученых восставало против западной модели линейного прогресса и модернизации. Они утверждали, что эта модель служила интеллектуальным оправданием претензий западной культуры на превосходство над всеми другими культурами, этносами и религиями.Восстание сопровождалось повышенным признанием русской традиции, воплощенной в иконах, а также устной традиции сказок, песен, заклинаний и поговорок. Тенденция выражалась не в последнюю очередь в заведомо провокационных заявлениях, таких как следующее высказывание Гончаровой: «Теперь я собираюсь стряхнуть пыль с ног и дистанцироваться от Запада, так как считаю его уравнивающее отношение поверхностным и незначительным. Мой путь указывает на истоки всего искусства — на Восток.Искусство моей страны гораздо глубже и, прежде всего, гораздо важнее всего, что я знаю на Западе ». 2 Замечания самого Малевича раскрывают похожий дух:« Обычно говорят, что царя Петра по праву называли «царем». Отлично », потому что он проделал дыру в беспредметном кубе на западе, открыв окно для света. Я, напротив, обвиняю его в том, что он разрушил единство, впустив деструктивную культуру, открыв окно для очень сомнительного и подозрительного света.’ 3

Многие русские художники того времени — среди них необычно большое количество женщин — считали собственное традиционное искусство России бесценным источником потенциального обновления. Иван Пунин, наиболее влиятельный теоретик до Октябрьской революции 1917 года и давний друг Малевича, объяснил в 1913 году в статье «Пути современного русского искусства и иконописи»: «Мы считаем, что иконы в их великой и живая красота, приведут современное искусство к достижениям, которые будут решительно отличаться от тех, которые пережило в последние десятилетия европейское искусство.’ 4

Стремясь ниспровергнуть господство западной культуры, московские художники избрали провокационно абсурдную стратегию. Начиная с 1912 года Гончарова прогуливалась по роскошной московской улице Арбат, выкрашенной в яркие цвета. По вечерам выступала со своим партнером Михаилом Ларионовым в Кабаре №13.

Гончарова / Ларионов, Кадр из драмы в кабаре №13, 1914 год. Предоставлено художником

.

Эти мероприятия представляли собой безумную смесь манифестов, пения и крика, во время которых исполнители рисовали друг друга и публику, на которых иногда тоже плевали.Это уже были дадаистские спектакли, поставленные тремя годами позже, в 1916 году, Хьюго Боллом, Эмми Хеннингс, Тристаном Царой и Марселем Янко в Кабаре Вольтер в Цюрихе. Малевич восхищался Гончаровой за ее грубый стиль рисования русских крестьян, но также и за ее выступления. Он тоже появлялся на выходах с накрашенным лицом, иногда с желтой деревянной ложкой, торчащей из кармана пиджака. Еще в 1923 году на открытии собственной выставки в Варшаве он вызывающе носил ярко-фиолетовые колготки и фиолетовый женский чулок в качестве галстука на шее.

В то же время поэт Велимир Хлебников начал проводить чтения — в наши дни это можно было бы назвать спектаклями — во время которых он декламировал, кричал и пел свои тексты под аккомпанемент ударных деревянной ложкой и объявил себя Председателем Глобуса (что-то вроде Хьюго Болла). тоже позже сделаю). Хлебников, который был движущей силой в Москве в то время и который своими чистыми звуковыми стихами был образцом для подражания собственных идей Малевича о беспредметном или непредставляющем, опубликовал серию манифестов со своим другом Алексеем Крученых, который носили такие названия, как «Пощечина общественному вкусу», и Малевич был приглашен для иллюстрации.В 1913 году своим манифестом «Об произведениях искусства» он основал Zaum (буквально «за пределами разума», что по-разному переводится как transreason, transration или beyonsense), движение, направленное на подрыв западных живописных концепций (сформированных рациональными отношениями между изображением и реальностью). ) посредством элементов, ускользающих от разума — снов, бессознательного, иллюзий, веры и смеха. Как писал Малевич композитору Михаилу Матюшину во время подготовки к постановке его оперы «Победа над солнцем»: «Мы пришли к тому, чтобы отказаться от разума.Мы отвергли его, потому что в нас вызревает другой, который по сравнению с тем, что мы отвергли, можно назвать заумом, и который также составляет законы и имеет значение. Только когда мы осознаем это, наши работы могут быть основаны на действительно новом, трансрациональном законе ». 5

«Победа над солнцем», сочинение Матюшина, с либретто Крученых, прологом Хлебникова, с декорациями и костюмами Малевича, премьера 1913 года. Во время спектакля публика подвергалась еле внятному крику, оглушительным звукам, ослепляющим огням. и даже плевок отдельных актеров в шоу абсурда, превосходящего даже более поздние пьесы Сэмюэля Беккета.Это поднимает вопрос о том, действительно ли это было задумано как дань уважения современному футуристическому рационализму, как это часто предполагалось, или это было на самом деле пародией?

Казимир Малевич, Дама у плакатной колонны, 1914, 71 × 64 см. Предоставлено: Stedelijk Museum, Амстердам,

.

Во время подготовки к этому спектаклю, который можно рассматривать как кульминацию движения Заум, мотив площади впервые появился в творчестве Малевича как часть декорации. Впоследствии монохромные цветные квадраты появились в его картинах Заума, которые он также называл «алогическими» картинами.Среди них картина «Дама у плакатной колонны» (1914), в которой два квадрата (желтый и розовый) появляются на фоне геометрических построений и букв. Но ключевой работой здесь является картина «Частичное затмение в Москве» (1914-1915), которая включает в себя не только коллажированную (но зачеркнутую) газетную фотографию Моны Лизы (этой иконы западной живописности), но и белый квадрат, наложенный на черный квадрат. . На этой картине периода Заума Малевича мы должны искать корни его квадрата, а не, как предполагалось ранее, в его картинах, написанных в стиле западного кубизма.

Казимир Малевич, Частное затмение в Москве, 1914-1915 гг. Предоставлено: художник

.

Небольшой рисунок 1915 года помогает лучше понять подход Малевича. На нем изображен прямоугольный контур, в который вписано слово «деревня». Под этим рисунком Малевич отмечает, что лучше написать слово «деревня», чем рисовать деревню, потому что это слово сразу позволяет любому представить деревню во всех ее деталях. Рисунок озаглавлен «Алогизм 29: Деревня».Это не только предвосхищение концептуального искусства 1960-х годов, но и показывает, что Малевич не разделял западного модернистского взгляда на беспредметные — он никогда не использовал термин «абстрактные» — картины как чистую абстракцию. Возможность образных ассоциаций присутствовала всегда, и многие «супрематические» картины Малевича имеют названия на этот счет.

Казимир Малевич, Красная площадь: Живописный реализм крестьянки в двух измерениях, 1915, 53 × 53см. Предоставлено: Русский музей, Санкт-Петербург

.

Красный квадрат на белом фоне, который он нарисовал в 1915 году, имеет полное название «Красная площадь. Живописный реализм крестьянки в двух измерениях», а не просто «Красная площадь», как это принято в привычной аббревиатуре.Другая картина с черным и красным квадратами того же года называется «Живописный реализм мальчика с рюкзаком — цветные массы в четвертом измерении». Эти заголовки в сочетании с нефигуративными формами тоже свидетельствуют об игриво-абсурдном подходе художника.

Казимир Малевич, Супрематическое перевоплощение крестьянской девушки, 1930–32, 100 × 75см. Предоставлено: Третьяковская галерея, Москва

.

Малевич также использовал ярлык «супрематизм» для своих фигуративных картин, написанных после 1928 года, на большинстве из которых изображены крестьянки.Таким образом, это просто неправильно, когда, как почти на всех выставках на сегодняшний день, эти картины показаны отдельно от беспредметных работ. Ведь даже в этот период Малевич тоже писал беспредметные картины, и это возмутительно, когда, например, замалчивается название фигуративной картины «Супрематическое превращение крестьянской девушки», а работы 1930-32 годов просто помечаются как «Женщина с крестьянкой». Грабли », как и в большинстве изданий и каталогов на сегодняшний день. Можно только восхищаться наглостью, с которой в основном западные исследователи-малевичи грубо обходятся с оригинальными названиями.

Но не только названия указывают на своеобразный, порой абсурдный элемент. По примеру Хлебникова, изобретавшего новые слова, включая математические формулы и попираемые грамматическими правилами, тексты Малевича полны абсурдистских неологизмов и выражений, образов и сравнений, многие из которых теряются в часто неудовлетворительных переводах.

Малевич завершил свое творчество реалистичными портретами матери, жены и дочери. Практически в таком же стиле он написал и своего отца — но в 1902 году (картина из собрания Харджиева).Малевич вернулся в пункт отправления. Возможно, этот цикл и его повторное датирование картин также можно понять как абсурдный проект сам по себе, задуманный как пародия на веру в линейный прогресс.

Это мнение подтверждается тем фактом, что Малевич имел давние дружеские отношения с теоретиком литературы Михаилом Бахтиным, который, не в последнюю очередь вдохновленный тем, что происходило в искусстве, изучал культуру смеха, русскую народную традицию и средневековье, развивая его ныне известная теория смеха и пародии как стратегии восстания.К этому можно добавить тот малоизвестный факт, что за 20 лет работы директором Государственного института художественной культуры в Ленинграде Малевич предоставил площадку для выступлений артистам и писателям группы OBERIU, также известных как «абсурдисты». в дадаистском духе Гончаровой, Ларионова и Хлебникова.

В спектаклях участвовал Владимир Татлин, которому в 1923 году удалось поставить в этом институте дадаистскую пьесу Хлебникова «Зангези». Сам Хлебников был уже мертв, умер от голода, спасаясь от ареста в 1922 году.В творчестве Татлина также присутствуют сильные дадаистские и абсурдные элементы. Друг Малевича, теоретик Пунин, уже отмечал это в своей монографии 1921 года «Татлин (против кубизма)». 6 Художник Иван Пуни даже назвал памятник Татлину Третьему Интернационалу (1920/21) «идеологическим абсурдом». 7 Абсурдисты, выступавшие в институте Малевича, действительно хотели своими абсурдными действиями подорвать доверие к быстро распространяющемуся якобы научному материализму.Одному из них, абсурдисту Даниилу Хармсу, Малевич дал копию своего собственного трактата 1922 года «Бог не побежден», который в данном контексте можно понимать только как гневную пародию на исключительное притязание исторического материализма на истину. Посвящение, которое он написал Хармсу в своей книге, гласит: «Идите вперед и препятствуйте прогрессу». 8

Когда Малевич умер в 1935 году, Хармс прочитал на похоронах свое стихотворение «О смерти Малевича», и этот жест большинством присутствующих был воспринят как знак восстания.Это было последнее публичное выступление этого поэта и соучредителя OBERIU перед тем, как он навсегда исчез в тюремной системе.

Перевод Николаса Гринделла

1 Наталья Гончарова, каталог выставки, Opelvillen, Rüsselsheim, Kunsthalle St. Annen, Angermuseum Erfurt 2010, стр. 15.
2 Наталья Гончарова, Манифест 1913, цитата из Э. Ф. Ковтуна (ред.), История книжного искусства, Москва, 1989, с. 32.
3 Казимир Малевич, _Suprematismus — die gegenstandslose Welt_ (Супрематизм — беспредметный мир), Кельн, 1962, с.99.
4 Иван Пунин, «Пути современного искусства и русская иконопись», в: Аполлон, Москва 1913, том 10, с. 50.
5 Письмо Мутюшину, в: Sieg über die Sonne (Победа над солнцем), каталог выставки, Берлин, 1983, с. 39.
6 Ср. Иван Пунин, Татлин (против кубизма), Петроград, 1921.
7 Иван Пуни, Современная жизнь, Берлин (Френкель) 1923, с. 31.
8 По словам исполнителя имения Хармса Майкла Мейлака.

.